Salvatore Commercio - Artiste - Œuvres

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Si vous êtes artiste et que vous souhaitez publier vos oeuvres sur ce site, écrivez à l'adresse [email protected]


Pour vendre vos propres œuvres d'art, est-il nécessaire d'ouvrir le numéro de TVA de l'artiste?

Comment vendre vos œuvres d'art et quels documents vous devez délivrer pour ne pas devenir un fraudeur fiscal. Est-il nécessaire d'ouvrir le numéro de TVA d'un artiste même pour la vente d'une seule œuvre d'art?

De nombreux artistes me demandent souvent comment me comporter vis-à-vis du percepteur, en cas de vente de leurs tableaux. Parfois, certains décident même de ne pas publier leurs œuvres en ligne pour éviter que la simple publication sur le net puisse être confondue avec activité de vente et qu'il est donc nécessaire d'entreprendre différents types de actifs fiscaux.

Essayons donc de comprendre ce qu'il faut faire pour ne pas courir le risque de devenir, peut-être involontairement, fraudeurs fiscaux.

La simple publication en ligne, même dans des portails spécifiques dédiés à la vente d'œuvres d'art, comme PitturiAmo, ne constitue pas une vente. Pas même si le prix de l'œuvre est clairement publié.

le obligations fiscales doit être prise uniquement et exclusivement en cas de vente de l'œuvre.

Dans ce cas, la première considération est la fréquence à laquelle la vente a lieu et le montant des travaux.

Dans le cas où l'artiste n'est pas un professionnel, ou n'a pas fait de l'art son activité principale, il est possible de signaler la vente de l'œuvre en l'encadrant comme vente occasionnelle, par conséquent, sans obligation d'ouvrir le numéro de TVA.

De plus, si le montant des ventes ne dépasse pas 5000,00 € par an, l'artiste n'aura aucune obligation même en ce qui concerne obligations de sécurité sociale.

Bien sûr, nous parlons d'œuvres sur lesquelles l'artiste détient le droits d'auteur, ou qu'ils ont été réalisés par le même artiste et non, par exemple, des peintures réalisées par d'autres artistes dont la personne se trouve dans la maison.

Prenons quelques exemples, pour mieux comprendre.

L'artiste Paolo est un fonctionnaire, qui peint par passion pendant son temps libre. Il aimerait pouvoir compléter son salaire et décide donc de mettre certaines de ses œuvres en vente. Grâce à'activités de marketing développé en ligne sur PitturiAmo et selon son coefficient d'artiste, il parvient à vendre l'une de ses œuvres au prix de 4 000,00 €. Dans ce cas, Paolo n'est pas obligé d'ouvrir un numéro de TVA, mais peut émettre un simple reçu. Il n'a pas non plus l'obligation de verser des paiements de sécurité sociale à l'INPS.

Le reçu doit ensuite être présenté dans le déclaration d'impôts.

Il suffira donc d'acheter un bloc de reçus à numéroter au fur et à mesure et daté, qui doit être rempli à chaque vente, en précisant ses données (y compris le code des impôts), le type de bien vendu (par exemple "huile sur toile 70 × 100 + titre de l'œuvre "), le prix et les coordonnées fiscales du demandeur (raison sociale, adresse légale et numéro de TVA).

Cependant, si, dans la même année civile, il a la possibilité de vendre une autre œuvre au prix de 3.000,00 €, il peut toujours sortir un simple reçu pour vente occasionnelle, mais devra payer des cotisations sociales sur l'excédent de 5000,00 € (dans ce cas plus de 2000,00 €)

Tant que ces ventes se produisent occasionnellement, Paolo pourra toujours émettre un simple reçu.

«Gradisca», huile sur toile, de Carla Thaler Sabaini, alias «Scarlat», 70 × 50 cm.

Supposons plutôt que l'artiste Lisa, via son site Web d'artiste, vend des tableaux à des prix très bas, par exemple à 100,00 € chacun. Si la vente de ces œuvres devait être fréquente, même si elle n'atteignait pas le seuil de 5000,00 € par an, elle ne pourrait en aucun cas délivrer un reçu pour représentation occasionnelle, car ce serait une activité fréquente, qui devrait être réglementée. en ouvrant beaucoup.

Advenant que Lisa soit une élève mineure, elle serait financièrement dépendante de ses parents et ces derniers devront présenter les reçus de vente occasionnels, lors de la phase de déclaration de revenus.

Le discours relatif à l'activité professionnelle de Lara est complètement différent, artiste professionnel, qui a fait de l'art sa principale activité économique de subsistance.

Dans ce cas, Lara est tenue d'identifier, en concertation avec son comptable, la position fiscale la plus appropriée, en ouvrant régulièrement numéro de TVA et identifier votre entreprise avec le bon Code ATECO.

Celles-ci viennent d'être décrites sont les circonstances les plus courantes qui peuvent être configurées pour le vente de tableaux par des peintres professionnels ou amateurs. Bien entendu, les cas peuvent être les plus variés. Il est donc essentiel d'écouter l'avis d'un comptable pour mieux comprendre comment se comporter.

J'espère que tout est clair. Dans tous les cas, je vous conseille de contacter un ami comptable, pour toute clarification concernant votre situation spécifique.

Si, au contraire, vous avez une certaine considération à faire Vous pouvez laisser un commentaire, sur cette même page, à la fin de l'article.

Les travaux publiés dans cet article:

  • Harmonie géométrique 2, multi-matériaux, 35 × 43 cm, de Vito Spada, un artiste des Pouilles. Voir son site web personnel, créé par PitturiAmo
  • S'il te plaît, huile sur toile, par Carla Thaler Sabaini aka «Scarlat», peintre vénitien. Regardez son site personnel créé par PitturiAmo et consultez le Coefficient d'Artiste, publié par PitturiAmo

Les promotions publiées dans cet article:

  • Site d'artiste - Votre site d'artiste, près de PitturiAmo. Là force de PitturiAmo à votre service. Faites la promotion de votre art avec un site entièrement dédié à vous, accessible en permanence, en contact étroit avec les canaux web de PitturiAmo, pour en exploiter toute la force.
  • Coefficient d'artiste - Attribuez une valeur correcte à vos œuvres. Demandez le Coefficient d'Artiste, un outil utile pour communiquer la Vraie Valeur de VOTRE Art

Auteur: Nino Argentati

Je suis consultant en marketing web, c'est-à-dire que je m'occupe de la présence en ligne des entreprises et des professionnels. Je crée des sites internet et je veille à garantir à mes clients une visibilité en ligne maximale, en m'occupant du positionnement sur les moteurs de recherche, en activant des campagnes publicitaires par e-mail, sur les réseaux sociaux ou sur les moteurs de recherche. J'étudie en permanence pour suivre les transformations rapides du réseau. J'ai créé et géré PitturiAmo - le portail des peintres contemporains dans le but d'aider les artistes à se promouvoir en ligne.


Indice

La production et la consommation d’œuvres d’art, d’articles de luxe et de services ont été l’épine dorsale des économies préindustrielles. [15]

À travers les âges, différents types de marchés ont formé les arts de manières radicalement différentes. [16] La croissance du marché de l'art est parallèle aux changements du client et produit une différenciation de la production artistique: au fil du temps, le réseau croissant d'échanges rend les peintures et petites sculptures préférables aux fresques, car les acheteurs recherchent des œuvres qui peuvent être possédées , transporter et revendre comme marchandise. [17]

La révolution commerciale de la fin du Moyen Âge et de la Renaissance a non seulement stimulé la demande d'œuvres d'art, mais a également rendu disponible des matériaux appropriés pour la création artistique, grâce au progrès technologique. [18] L'introduction de l'impression, par exemple, favorise également la commercialisation de types de papier plus durables. [19] Au 15ème siècle, les dessins sont devenus des œuvres d'une dignité artistique complète, conservées ou vendues pour le profit, grâce aussi aux croquis de Pisanello et Leonardo. [19] Les estampes deviennent ainsi des actifs artistiques de collection et commercialisables. [20]

«Dans le domaine des estampes, il est très clair que l’inutilité de l’utilisation par le graveur de la signature - ou de l’inscription, ou du marquage avec un emblème, par exemple le caducée, comme le fait Jacopo de 'Barbari - va de pair avec l’augmentation de le marché organisé, c'est-à-dire que c'est une conséquence du fait que dans la plupart des cas les tirages ne sont pas réalisés à la commission ou pour quelqu'un en particulier - à tel point que lorsque vous souhaitez mettre en évidence un éventuel destinataire particulier, vous aurez recours à des inscriptions avec dédicaces - mais pour un marché générique à partir duquel il est indispensable d'être reconnu pour s'implanter ". [21] Après la mort de Raphaël le marché des estampes qui reproduisent ses œuvres se multiplie, le nom de l'artiste n'est parfois appliqué que dans la deuxième édition des gravures, car il favorise le succès des imprimeurs. [22]

À la Renaissance florentine, des familles prestigieuses se disputaient la meilleure décoration des espaces des églises et ce concours, combiné à des expositions publiques, renforce l'intérêt croissant pour la publicité qui attire les acheteurs. Les expositions publiques naissent pendant les fêtes religieuses, initialement composées d'œuvres commandées peu avant par les églises et les couvents. Au fil du temps, cependant, les œuvres exposées s'affranchissent des commandes et des sujets religieux, assumant une finalité essentiellement commerciale. L'exposition se transforme en ventes directes aux clients intéressés. [20]

Au XVIe siècle, lorsque Florence et l'Italie ont perdu leur position de suprématie économique relative en raison de leur implication dans les guerres de France et d'Espagne, qui ont épuisé les ressources économiques de la ville, les routes commerciales ont été entravées ou fermées. Après tout, la découverte de l'Amérique, avec la chute de Constantinople en 1453, a commencé le processus de déplacement des routes commerciales. Au début du XVIe siècle, Rome a pris le relais comme une source de commande plus importante que Florence, comme en témoigne la diaspora des grands artistes de l'époque. [23]

Le déclin de la Renaissance florentine correspond également à un glissement de la suprématie économique et artistique vers les Pays-Bas, où l'épanouissement artistique commence au XVe siècle: [24] Les peintures, gravures et porcelaines hollandaises deviennent les objets les plus exportés en Europe. Une classe bourgeoise forte se forme pour le marché de l'art, même si des gens de tous horizons achètent des tableaux, peut-être de moindre qualité: depuis les années 1990, les tendances des achats publics néerlandais [25] conduisent à une accumulation sans précédent d'œuvres de « de l'art. [26] Plus tard, «l'âge d'or» néerlandais a également été victime de la guerre et du déclin économique, quand avec la guerre des années 1970 contre la France et l'Angleterre la situation économique a stagné et les impôts ont augmenté et l'art s'effondre. [27]

Au XVIIIe siècle, des marchés de l'art actifs s'établissent dans diverses villes européennes, sans dominer un centre ou un style. Par ailleurs, des marchés de nouveaux continents apparaissent, notamment américain, et l'importation de porcelaine chinoise conditionne la reprise des échanges avec l'Orient. Avec le début de la révolution industrielle, un rôle de plus en plus important sur les marchés de l'art est assumé par la bourgeoisie, dont Josiah Wedgwood est un exemple. [28]

«La structure du marché de l'art contemporain, basée sur le système des galeries privées, est née en France dans les dernières décennies du XIXe siècle en opposition à la fermeture et à la rigidité de l'organisation officielle des arts plastiques dominée par l'Académie des beaux -arts ". [29]

Dès le début du XIXe siècle, le rapport entre économie et culture commença à être présenté aussi en termes critiques, mais la littérature économique du XIXe et du début du XXe siècle aborda le sujet avec superficialité et partialité, à travers des écrits animés par des buts polémiques, ou simples commentaires sur les résultats des enchères. [30]

Avec la création des Salons, «les opportunités publiques de contact avec l'art» [31] se multiplient et le «partage public de l'art» assume également un «rôle social et politique», en vue d'un «dialogue entre l'artiste et le public ". [32] Dans ce contexte, l'artiste s'affranchit de la dépendance des collectionneurs avec les ventes aux enchères, de plus, "des lieux sont construits pour la liquidation de collections entières", [33] qui favorisent également la décoloration des hiérarchies sociales, comme il le souligne Gersaint lui-même. [34]

Cependant, toujours au XVIIIe siècle en France, la situation née de la fondation de l'Académie en 1648 persistait: la carrière d'un artiste était placée sous un contrôle académique strict également «du point de vue du succès commercial» et le progrès institutionnel était placé avant "les stratégies d'auto-promotion sur le marché libre". [35] Dans ce contexte, le succès au Salon est indispensable pour qu'un artiste soit "accepté par le goût dominant du grand public et, surtout, de la classe moyenne supérieure (.) [Avec] d'importantes répercussions également sur les ventes via autres canaux »: une situation de ce milieu au milieu du XIXe siècle rebellée par les« artistes novateurs qui tentaient de construire leur carrière sur le marché libre, en phase de développement ». Le tournant a commencé en 1855, avec la Pavillon du Réalisme que Gustave Courbet installe devant l'Exposition Universelle de Paris, et qui précède le Salon des Refusés et les actions des artistes indépendants, dont Manet est le leader. [36]

Le marché de l'art français en pleine croissance s'accompagne d'autres opportunités de divertissement, telles que des foires ou des cirques, réunies sous un même toit pour la première fois au Bon Marché. Les techniques modernes d'affichage des peintures sont inspirées des vitrines accrocheuses, contrairement à la pratique dominante dans le passé, qui consiste à empiler autant de peintures que possible sur un mur. Les impressionnistes dépeignent les plaisirs des loisirs offerts par le capitalisme à la classe moyenne grandissante, comme les cafés de Renoir ou la danse de Degas. Comme à la Renaissance à Florence et aux Pays-Bas, la vitalité de l'art est liée à la culture capitaliste de la richesse et du consumérisme. De plus, les nouvelles technologies apportent un soutien supplémentaire aux peintres français, comme le matériel de peinture d'extérieur. [37] Ce n'est qu'avec les impressionnistes que les styles parrainés par le marché sont en concurrence avec ceux parrainés par le gouvernement. [38]

Dans la dernière décennie du XIXe siècle, les impressionnistes ont créé un réseau international en collaboration avec leurs critiques, les premiers collectionneurs et leur principal marchand, Paul Durand-Ruel. Ce dernier "représente le prototype du nouveau marchand innovant, tant sur le plan des choix artistiques que sur celui des stratégies commerciales". [39] Les "caractéristiques innovantes de son activité" sont l'intérêt "pour la mise en valeur d'un nouveau tableau non encore requis par le marché", le désir d'un monopole sur la production artistique des impressionnistes "à travers l'accumulation d'œuvres en stock et la stipulation de contrats ", la mise en place d'une série d'expositions personnelles, l'ouverture de ses propres succursales à l'étranger et la" valorisation critique du nouvel art par la création de magazines ". [40]

Même les marchands Ambroise Vollard et Daniel-Henry Kahnweiler sont parmi les autres initiateurs de ce système, [41] qui acquiert une grande vigueur surtout dans les deux premières décennies du XXe siècle, au point de «neutraliser et bourgeois les tensions les plus vitales de la recherche des nouvelles avant-gardes d'après-guerre, y compris les dadaïstes puis, sous une forme organisationnelle et théorique plus efficace, les surréalistes réagissent contre cette tendance ». [42] Déjà pour Baudelaire "la seule possibilité pour l'art de rester authentique et de survivre à la civilisation capitaliste" est de ne pas s'opposer à l'objet unique pour que en série, mais plutôt pour lui faire assumer «les caractéristiques de l'objet marchand, renonçant à la composante traditionnellement artistique de l'œuvre originale»: les propositions en ce sens viennent de Marcel Duchamp et, plus tard, de Marcel Broodthaers et Piero Manzoni. [43]

Dans les années 1920, les institutions du monde de l'art moderne sont déjà actives, notamment avec Picasso, qui incarne la nouvelle approche du marketing: la notoriété et la richesse acquises en peu de temps lui permettent de choisir des époques et des sujets et d'orchestrer des campagnes de soi. promotion. Picasso est le premier peintre à devenir une célébrité médiatique dans le monde occidental, et il utilise les médias de masse pour cimenter sa liberté artistique. [44] Une utilisation analogue des médias est celle faite plus tard par Warhol, le nom "The Factory" souligne le lien entre la production artistique et industrielle. [45]

Après la «crise économique des années 30, déclenchée par l'effondrement de la bourse de New York en octobre 1929», et la grave dépression du système artistique, «le marché a retrouvé sa part pendant la guerre». [46] Les œuvres d'art représentent en fait un "refuge sûr contre l'inflation et hors des contrôles fiscaux". [47] "Après la guerre et dans les années 1950, le marché français redémarre avec une vitalité considérable. Cependant, les développements les plus importants sont ceux du système de galeries de New York, qui est en passe de devenir le centre mondial de l'art contemporain" , [47] après "la naissance de la culture d'avant-garde américaine" et le développement "du système marchand et muséal qui y est lié" déclenché par l'Armory Show de 1913. [48] En fait "le système conjonctif économique de l'art , ou son marché (.), est l'élément le plus facilement renouvelable: puisque le commerce s'oriente là où il y a les moyens, l'envie et la volonté de les utiliser à cette fin, il fallait que le système de l'art, à partir de ses raisons économiques , déplacé vers le seul endroit où ces conditions pourraient se manifester, à savoir les États-Unis », [49] où de nombreux artistes européens émigrent également. [50]

De plus, dès le milieu des années 1950, le Japon est apparu sur la scène artistique [51] "en tant que producteur de culture fondamentalement compatible avec la culture occidentale". De cette manière, "l'horizon du monde" [52] s'élargit, qui dans le nouveau millénaire s'étend à d'autres pays et continents, jusqu'à atteindre la mondialisation [53] favorisée "par le tourbillon, la circulation instantanée et simultanée d'informations et d'idées", à la suite de la "diffusion mondiale d'Internet". [54]

L'Italie, en revanche, "au moins jusqu'aux années 50 et 60", occupe une position relativement marginale "par rapport au système international du marché de l'art contemporain", [55] en particulier en raison de "l'absence prolongée de structures », dont les seules alternatives sont les expositions et les marchands étrangers, notamment Goupil. [56] Un tournant a eu lieu grâce au divisionnisme, qui à Milan a favorisé l'évolution de la peinture italienne et du marché, dans lequel les frères Grubicy, en particulier Vittore, sont devenus des protagonistes. [57] Avec la naissance de la Biennale de Venise, en 1895, "une revue périodique de comparaison entre les principales tendances artistiques des différents pays" a été créée et les conditions ont été créées pour la naissance et le développement d'un nouveau centre de l'art contemporain marché ", qui seulement dans les années 1960" a cessé de vendre directement géré ". [58] La Quadriennale de Rome a été ajoutée à la Biennale de Venise en 1931, dans laquelle "une partie substantielle des ventes" a eu lieu. [59] Rome est ainsi devenue l'un des principaux centres du marché de l'art contemporain, avec Milan, qui après la Seconde Guerre mondiale s'est progressivement ouverte à l'art international, tout comme Turin. [60]

En général, dans le monde occidental au cours des années 80, un ensemble de facteurs - "augmentation de la circulation de l'argent, augmentation des relations économiques internationales, croissance d'une bande assez jeune de nouveaux riches devenus riches grâce à la finance" [61] - a contribué à la perception de l'art comme symbole d'état car il représente «l'idée d'exclusivité maximale et en même temps de popularité», [62] c'est-à-dire qu'il devient «un produit populaire (.) et en même temps élitiste, car la fréquentation est substantiellement gratuite, mais la possession ne l'est pas, et c'est ce dernier pour conférer du prestige. Comme tous les produits de luxe, il doit être suffisamment répandu pour être connu, et suffisamment inaccessible, c'est-à-dire cher ". Ainsi les citations des artistes les plus célèbres montent, et en peu de temps la "structure faite de savoir, d'étude, de passion" s'effondre face à l'irruption de l'argent ":" en l'espace de quelques années, l'art contemporain est devenu un affaires ". [63] "En fait, l'art contemporain est un produit infiniment plus disponible que l'art ancien et en plus il est continuellement renouvelé, nous permettant ainsi de répondre à une demande toujours plus large, car (.) De nouveaux territoires - et de nouveaux capitaux - sont impliqués ". Pour cette raison "le grand nombre de visiteurs aux expositions se produit toujours lorsque l'on est confronté à des artistes ou à des mouvements du passé", tandis que "les grandes capitales se déplacent pour l'art contemporain". [64]

Nouveaux développements Modifier

En général, la technologie a toujours favorisé l'art. [65] Au début de l'histoire de l'art, des matériaux très coûteux ont forcé les artistes à rechercher un revenu immédiat par le biais de commissions et de ventes. [66]

Avec la mondialisation, les artistes les plus performants travaillent pour une clientèle internationale grâce aux nouvelles technologies, les grandes maisons de ventes utilisent des tableaux électroniques pour convertir les devises. [67]

De plus, "en 2018, les technologies d'intelligence artificielle ont fait leur première entrée dans le monde de l'art et des objets de collection". Le 25 octobre 2018, Christie's a mis aux enchères à New York "une œuvre d'art entièrement créée par l'intelligence artificielle", qui a été accueillie sans préjugé par le marché international. Une autre application «de l'intelligence artificielle au monde de l'art concerne la promotion des artistes et de leurs œuvres pour faciliter leur entrée sur le marché». [68]

Au contraire, «la croissance du canal en ligne, désormais outil consolidé à disposition des maisons de ventes pour atteindre leurs clients, s'est arrêtée en 2018. (.) Ce ralentissement est contraire à ce qui est enregistré dans d'autres secteurs commerciaux. une difficulté plus prononcée à diriger l'attention des acheteurs de collectionneurs vers les plateformes de trading numérique ». En effet, si d'une part «en ligne garantit divers avantages aux acheteurs, qui peuvent avoir accès à des ventes qui se déroulent à l'autre bout du monde ou participer au streaming dans des enchères, (.) D'autre part, nombreux sont ceux qui soulignent le manque de transparence, en particulier en ce qui concerne les prix (.), en particulier (.) pour le marché primaire (.), souvent caractérisés par des négociations au cas par cas. Pour tenter d'augmenter le niveau de transparence et de réduire l'information asymétrie, De nombreuses initiatives ont été lancées récemment pour expérimenter des solutions technologiques et des outils sur le marché des objets de collection et, en particulier, dans les ventes aux enchères (.). L'attention du monde de l'art pour des outils tels que les crypto-monnaies et la blockchain est donc de plus en plus importante ". Enfin, "les médias sociaux continuent de susciter un intérêt croissant", devenant "un canal consolidé également par les opérateurs et les maisons de ventes, non seulement pour développer le marché et toucher de nouveaux clients potentiels, mais aussi pour attirer l'attention sur le cas d'œuvres d'une qualité particulière. et attirer les plus jeunes ». Grâce à Internet, il est en effet possible «d'acheter facilement des œuvres de valeur moyenne-faible» et par conséquent «l'âge moyen des collectionneurs» est réduit. [69]

Les études Modifier

L'économie politique de l'art, [70] publié par John Ruskin en 1857, a influencé les premiers historiens de l'art, mais a été généralement mal compris et mal accueilli par les économistes, en raison de la sensibilité - "ou insensibilité" - de l'époque, visant à la satisfaction de besoins plus pressants. Les valeurs identifiées dans le monde de l'art sont en effet jugées incompréhensibles, non productives, irrationnelles, purement spirituelles: bref, à l'opposé de celles de la politique économique. Dans la nouvelle société, la culture est reléguée au débat fiscal et aux questions parlementaires anonymes: la prise en compte de l'anti-économie par excellence des œuvres d'art nourrit la perception négative et détermine la perte d'intérêt de la part des savants. Ce n'est qu'au milieu des années 1960 que la relation entre culture et économie a pris de nouvelles connotations à travers une évaluation concrète des marchés, de la production et de la consommation culturelle. D'une part, l'expansion sémantique progressive de l'idée de patrimoine culturel, d'autre part la découverte de la maladie dite du coût identifiée par William Baumol favorisent la naissance de «l'économie culturelle», et les institutions doivent reconsidérer leur responsabilités en termes de gestion, de valorisation économique et de diffusion du patrimoine culturel. [71]

À l'opposé, les historiens de l'art ne traitent initialement que rarement des questions économiques, à l'exception de certains chercheurs allemands, dont Henry Thode, [72] qui étendent leur intérêt aux mécènes, aux institutions, aux processus et techniques de production, aux types de contrats et aux -dimensions professionnelles de l'activité artistique. Plus tard, d'autres spécialistes de l'histoire sociale, dont Arnold Hauser, tentent de faire la lumière sur la relation entre l'art, l'économie et la société, ressentant l'influence de l'influence marxiste. [73] [74]

Si Ernst Gombrich propose d'étudier la chronique des changements dans les conditions matérielles dans lesquelles l'art a été produit dans le passé, tout en étant convaincu qu'il n'y a pas de dépendance entre certaines formes artistiques et des structures sociales spécifiques, en général l'histoire de l'art grandit avec des études spécialisées sur des thèmes plus circonscrits et liées à l'investigation du statut social et des conditions de vie des artistes, aux côtés de celles des musées, académies et institutions de médiation. Ce n'est que dans la seconde moitié des années soixante-dix que l'histoire de l'art s'est enrichie d'arguments à caractère économique, dans le domaine de la culture matérielle: des relations entre connaisseurs, collectionneurs et intermédiaires, aux liens entre mesures de protection et dynamiques commerciales, en passant par la les politiques d'acquisition de musées, la production de copies et de contrefaçons. Dans les années 90, les marchés de l'art ont commencé à susciter l'intérêt même parmi les spécialistes de l'art médiéval et moderne. [75]

Dans d'autres domaines, Pierre Bourdieu et Jean-Joseph Goux étudient les «économies des biens symboliques», Jean Baudrillard explore «l'économie politique du signe» et décrit les fondements économiques de la collecte. [76]

Enfin, la composante juridique joue également un rôle essentiel dans la dynamique des marchés de l'art, du fait de l'impact des différentes résolutions législatives sur la balance commerciale dans le temps et dans les différentes réalités géopolitiques. Des exemples sont fournis par la suppression des ordres religieux ou par la crise de l'aristocratie, qui affecte le patronage, ou par le pillage et l'invasion des armées - de Napoléon à Hitler -, par des confiscations ou par des révolutions. [77] Enfin, le rôle joué par la législation sur la protection du patrimoine culturel est digne de mention. [78]

Le marché de l'art peut être défini à la fois «largement» et «strictement»: dans le premier cas, il comprend tous les types d'échanges, biens, services, acteurs et actions économiquement pertinents et fonctionne comme synonyme des termes «champ» ou «secteur» . Dans le second cas, en revanche, il comprend les catégories de transition qui ne sont pas immédiatement classables comme relation client ou vente d'articles non commandés par un client: l'activité des intermédiaires professionnels ou amateurs, des agents et fiduciaires, des commissaires-priseurs et des experts qui interrompent et dépersonnalisent les relations entre producteurs et consommateurs et l'achat d'œuvres d'artistes décédés. [79]

On distingue Marché primaire est marché secondaire: "le marché de l'art primaire signifie l'art provenant directement de l'artiste, mis en vente pour la première fois. Le marché secondaire est la revente: l'achat, la vente et l'échange entre collectionneurs, galeristes et musées". [80]

Cependant, l'utilisation du pluriel «marchés» est principalement due à la décision d'étendre les transactions à des types de biens et de services qui dépassent les frontières de la triade Vasari. dessin art (peinture, sculpture, architecture). Ce choix méthodologique a conduit à l'inclusion de genres de longue date considérés comme étrangers au monde de l'art et relégués aux domaines périphériques du luxe, à savoir les arts dits mineurs ou appliqués, ou encore l'artisanat. [81]

Le marché de l'art, à son plus haut niveau, a tendance à s'épanouir dans des sociétés commerciales avec de riches collectionneurs et mécènes. De plus, la peinture et la sculpture, par rapport aux autres expressions artistiques, ont tendance à être davantage concentrées dans les villes. La ville encourage une concentration d'acheteurs aisés aux goûts sophistiqués ciblés par les réseaux de distribution tels que les galeries, les marchands et les maisons de ventes. Les artistes se déplacent également dans les villes pour étudier et apprendre de leurs collègues, en particulier dans les époques passées. De plus, les révolutions technologiques se déroulent plus facilement dans les villes, qui précèdent et stimulent souvent les révolutions artistiques, étant donné la dépendance des arts vis-à-vis des matériaux disponibles. [82]

À l'ère de la mondialisation, «le monde de l'art contemporain se configure comme une agrégation de sous-cultures hétérogènes, mais unies par un fort intérêt pour la production artistique. C'est une réalité mondiale qui se manifeste néanmoins surtout dans certaines capitales de l'art. comme New York, Londres et Berlin ". [83]

Du point de vue du spectateur, "le marché de l'art a toujours été considéré comme très sélectif, dédié aux connaisseurs et à ceux qui disposent de ressources économiques importantes. L'investissement dans l'art a toujours été l'apanage des plus riches qui (.) Ont utilisé des œuvres d'art. comme valeur refuge lorsque le marché traditionnel de l'investissement ne proposait pas d'anticipations favorables pour l'avenir: la valeur des actifs artistiques sur le long terme tend toujours à augmenter.biens artistiques: l'art est un secteur complexe et sophistiqué, et a toujours été considéré comme un marché extrêmement illiquide, dans lequel le profit, dans la plupart des cas, peut être réalisé des décennies après l'achat d'une œuvre., a toujours été considéré comme un marché extrêmement émotionnel, dépendant des jugements critiques, des modes et des goûts personnels. démonstration de enticità e provenienza dell'opera e la necessaria intermediazione tra artisti e acquirenti di art dealer, professionisti, intenditori del settore, case d'asta e gestori patrimoniali, rendono il processo di investimento estremamente complesso, macchinoso e poco trasparente”. [84]

Tuttavia "oggi non esiste più la necessità di avere a disposizione un ingente patrimonio: negli ultimi anni le barriere all'ingresso del mercato dell'arte si sono poste l'obiettivo di semplificare il più possibile l'interazione tra acquirenti e artisti e il macchinoso processo di investimento in arte". [85]

Le opere d'arte contemporanea, in particolare, pur mantenendo la funzione peculiarmente estetica, assumono anche la funzione di "bene simbolico, il cui possesso è finalizzato all'accrescimento del prestigio dei proprietari" e la "funzione economica, collegata alla prima, che considera il prodotto artistico dal punto di vista del suo valore di scambio". [86]

Dal punto di vista del produttore, un artista che dipende da un singolo committente è obbligato a rispettarne i gusti per ottenere un guadagno al contrario un grande mercato, diminuendo i costi della produzione artistica, rende più libera l'espressione di qualsiasi tipo di arte, sia quello rivolto alle masse sia quello destinato agli intenditori, senza vincoli a dettami predeterminati. [87] La difficoltà di entrare nel mercato e la ritrosia nei confronti dell'autopromozione costituiscono ostacoli per molti artisti, ostacoli cui gli intermediari possono in parte rimediare. Inoltre l'attività di distributori, intermediari, mercanti, galleristi, critici e case d'asta favorisce il mutare dei gusti e la diversità degli stili. [88]

"Il fatto che un artista vivente ottenga delle buone quotazioni a un'asta consente al mercante d'arte che lo rappresenta di alzare i prezzi delle sue opere, ma il mercato può anche compromettere la carriera di un autore. Molti considerano le aste come un barometro del mercato dell'arte. Un artista può essere molto richiesto perché un museo importante gli ha appena dedicato una retrospettiva, ma ritrovarsi tre anni dopo a dover subire l'affronto di essere 'comprato dalla casa' perché le sue opere sono rimaste al di sotto del prezzo di riserva e non sono state vendute. Le case d'asta incoraggiano questi colpi di scena (. ). Una quotazione da record sembra sancire la fama di un artista, mentre una vendita mancata diventa l'anticamera della fine". [89] Analogamente l'acquisto da parte ad esempio di Larry Gagosian fa salire vertiginosamente i prezzi. [90]

"Per definire il valore commerciale di un'opera d'arte contemporanea di un artista effettivamente presente sul mercato, si prendono normalmente in considerazione specifici fattori di ordine quantitativo e qualitativo, associati fra loro". [91]

"L'acquisto delle opere d'arte al fine di investimento si basa, al momento, solo su strategie puramente quantitative che valutano i trend di crescita e i dati di vendita per i singoli autori, o per i movimenti pittorici a fianco a regole meramente empiriche, dove ad esempio i top ten dell'anno precedente sono sempre valutati un ottimo acquisto". [92]

Il "rapporto fra il livello di qualità (riconoscimento storico-critico) e livello delle quotazioni non è affatto automatico e consequenziale (. ) e (. ) dipende soprattutto dal potere delle strutture mercantili e museali di promozione e distribuzione che stanno dietro a ciascun artista. Le più potenti sono naturalmente quelle al centro del sistema dell'arte e sono l'espressione della cultura dominante a livello mondiale". La notorietà "si alimenta e cresce progressivamente anche attraverso l'azione mediatica più allargata". [93] Ciò è confermato dalle classifiche come il Kunstkompass. [94]

Anche algoritmi dell'Intelligenza artificiale cercano di aiutare a trovare nuove soluzioni e risposte, combinando l'analisi qualitativa con quella quantitativa attraverso strumenti in grado di "suggerire le opere in asta che garantiscono un rendimento nel breve o medio periodo". Tali algoritmi posso valere per opere di arte moderna e contemporanea, ma perdono efficacia di fronte alle opere di arte classica e antica, nelle quali "i canoni di bellezza sono storicamente e universalmente riconosciuti ed è molto complicato avere suggerimenti diversi da quelli del senso comune". [95]

"Il prezzo che un mercante d'arte chiede per un'opera di un nuovo artista si basa sulla reputazione della galleria e sulle dimensioni dell'opera piuttosto che su una qualsiasi valutazione della sua qualità. In realtà non si usa mai il termine 'nuovo' per definire un artista, bensì 'emergente', termine (. ) che significa sconosciuto e, in senso relativo, non costoso". [96] Valore estetico e quotazione commerciale non sempre vanno di pari passo [97] nella contemporaneità come in passato, e non sempre il prezzo è la vera misura dell'eccellenza o della bontà dell'arte. [98]

Insieme alle recensioni su riviste specializzate, "i premi rappresentano tappe importanti che sanciscono il valore culturale [di un artista], gli conferiscono prestigio e segnalano la possibilità di una fama durevole". [99] Inoltre "molti artisti che vendono bene alle aste sono anche imprenditori". [100]

Esiste infine un mercato non ufficiale quale "conseguenza logica e inevitabile di uno stato di cose che nasce dalla natura specifica della merce-opera d'arte", [101] costituito da diversi livelli in cui trovano posto ad esempio corniciai e mediatori di vario tipo. [102] Del resto la "maggiore facilità di approccio al mondo dell'arte", che "ha certamente dischiuso le porte a un pubblico vastissimo", ha pure contribuito ad allargare "il numero dei potenziali collezionisti". [103] Le opere sottratte "dai musei, dai palazzi e dalle chiese (. ) alimentano un fiorente mercato privato destinato soprattutto all'esportazione". [104]

"A differenza del mercato d'arte antica, dove la rarità delle opere è effettiva, nel caso dell'arte contemporanea, soprattutto con gli artisti viventi, questa rarità è (. ) regolata artificialmente dalle specifiche strategie del sistema artistico". [105]

L'arte è un dialogo continuo fra produttore e consumatore, dialogo che favorisce la formazione del gusto [106] in particolare "i protagonisti del mondo dell'arte si suddividono in sei categorie: gli artisti, i galleristi, i mercanti d'arte, i curatori, i critici, i collezionisti e infine gli esperti delle case d'asta". [107] Le aste online, in particolare, favoriscono l'avvicinamento al mercato dei giovani collezionisti. [108]

Tali figure compongono il sistema dell'arte. "Il primo critico a utilizzare questa definizione è forse Lawrence Alloway, che nel 1972 pubblica su Artforum un articolo intitolato Rete: il mondo dell'arte descritto come un sistema. In Italia è Achille Bonito Oliva che ha cominciato a usarla poco dopo (Arte e sistema dell'arte, De Domizio, Roma 1975)". [109]

Se pure la definizione è relativamente recente, essa indica una realtà già esistente in passato: "nel sistema dell'arte numerosi 'attori' sono coesistiti per secoli, coinvolti in una serie di transazioni che generavano prezzi ampiamente variabili". [110] Infatti la conservazione e la divulgazione dell'arte sono sostenute dai meccanismi del mercato allo stesso modo della creatività. La produzione artistica non è un evento isolato, e richiede continua cooperazione sociale. [111]

In particolare i contratti mostrano come, malgrado i cambiamenti di gusti e di mecenati, il sistema sia rimasto invariato dal Medio Evo fino alla metà del Settecento, specialmente in Italia, ma anche all'estero. Rispetto alla situazione attuale, in cui i dipinti degli antichi maestri hanno costi astronomici rispetto ad altri tipi di collezioni, nel passato anche più recente le valutazioni sono completamente differenti. Dal Quattrocento al Settecento spesso le cornici costano più dei dipinti, e ciò vale pure per altri oggetti, come le cinture o le spade. Fra l'altro la formazione in più settori dell'artigianato è molto diffusa fin dal Quattrocento fra gli artisti, che producono dipinti, pale d'altare o cicli di affreschi, insieme a candele o armature. Ad esempio Antonio del Pollaiolo e Verrocchio sono anche orafi altri, fra cui Botticelli, dipingono cassoni e mobili o disegnano copertine per clavicembali o frontespizi di libri. Tali oggetti vengono pertanto considerati opere d'arte, prodotti spesso con la collaborazione di diversi specialisti, citati fra gli altri negli elenchi che nel 1675 registrano gli operatori dell'arte. Per tali motivi, dal punto di vista economico la distinzione rigida fra belle arti e artigianato a lungo risulta priva di fondamento, mentre l'analisi dell'intero contesto permette di identificare i meccanismi di trasmissione e raffinamento del mestiere anche attraverso lo studio del modo di vivere, dei processi di migrazione e di formazione professionale, delle forme istituzionali di incoraggiamento all'innovazione e di salvaguardia dei diritti d'autore. [112]

Nel Seicento Giulio Mancini rivendica "il ruolo del gentiluomo per la valutazione della qualità estetica quanto del valore economico della pittura". [113] Nello stesso secolo anche Roger de Piles sostiene "l'esperienza dell'arte una pratica anche mondana e commerciale: l'occhio del conoscitore (. ) nobilita l'opera conferendole un ceppo storico, una provenienza geografica e un valore economico". [114] Se pure in Gran Bretagna nel XVIII secolo il conoscitore d’arte è oggetto di aspre polemiche, [115] si tratta comunque di una figura di cui gli artisti e il mercato devono tenere conto.

Dalla fine del XX secolo il sistema dell'arte cresce grazie a "nuovi fattori di sviluppo" quali la "presenza di un pubblico reale e potenziale infinitamente più ampio" e l'aumento di interesse per l'arte contemporanea "dovuto a elementi di moda, di gusto, di nuove economie (. ) grazie alla diffusione mondiale dei fenomeni relativi all'arte, che ha determinato il coinvolgimento di un'audience nuova". [116] Divengono inoltre evidenti "i mutamenti pratici nel sistema dell'arte (. ) con l'ascesa di componenti un tempo ritenute accessorie: il moltiplicarsi di biennali, di fiere e di aste sancisce la necessità di concentrare la fruizione dell'arte contemporanea in un sistema che altrimenti è geograficamente sempre più diffuso, e stabilisce - attraverso le aste - una sorta di controllo economico mondialmente riconosciuto del valore di ogni singolo artista". [117]

La scena dell'arte contemporanea pone il marketing e la distribuzione in primo piano. Gli artisti si relazionano con i compratori anzitutto esponendo in gallerie e musei. Gli acquirenti si appoggiano a una complessa rete di ricognitori per ottenere le prime informazioni sulla migliore offerta. [45] Talvolta "nel mondo dell'arte contemporanea il branding" può perfino "sostituire il giudizio critico". [118]

"Oltre all'impegno di natura commerciale dei mercanti, c'è quello dei collezionisti che difendono e cercano di valorizzare i loro acquisti, quello della critica d'arte che lavora sul piano della promozione e del riconoscimento culturale delle opere, e c'è anche quello dei direttori e curatori di musei. Il ruolo di questi ultimi è essenziale non solo, come è ovvio, per la legittimazione dei valori (con funzione storicizzante) sul piano culturale, ma anche su quello economico sia perché i musei rappresentano una parte molto importante della domanda (collezionismo pubblico), sia perché la 'consacrazione' museale è per un artista un prestigioso valore aggiunto che si riverbera su tutta la sua produzione". [119]

"Dunque, dal punto di vista sociologico, la produzione di un'opera d'arte (. ) non dipende solo dall'artista, ma è il risultato dell'azione di tutti i principali attori del sistema dell'arte": [91] "le grandi opere (. ) non vengono realizzate unicamente dagli artisti e dai loro assistenti, ma anche dai galleristi, dai curatori, dai critici e dai collezionisti che ne 'sostengono' la produzione". [120] In tale contesto il museo d'arte contemporanea "è l'anello di congiunzione tra creazione e mercato" che interviene "direttamente sul mercato con la politica degli acquisti e delle mostre, valorizzando (nel senso di dare un valore monetario) questo o quell'artista, questa o quella corrente". [121]

Acquirenti e committenti rappresentano i partner silenti degli artisti, mentre i distributori avvicinano produttori e consumatori: l'interazione fra i diversi protagonisti è l'essenza stessa del mercato dell'arte. La creazione di opere d'arte dipende da fattori sia interni sia esterni: i primi includono l'ispirazione, la necessità di denaro, il desiderio di fama e la sfida nei confronti di stili e di creazioni precedenti. I fattori esterni comprendono i materiali e i media utilizzati per la creazione artistica, il tipo di committenza e le reti di distribuzione. [122]

"La struttura del mercato dell'arte contemporanea è notevolmente articolata e stratificata, e per questo sembra senz'altro più opportuno parlare di vari mercati, per molti aspetti non collegati fra loro. I mercanti e le gallerie d'arte non rappresentano affatto una categoria omogenea, ma si devono dividere in varie sottocategorie, in relazione alle differenti funzioni specifiche che svolgono ai diversi livelli di mercato, e in rapporto ai diversi tipi di prodotti oggetto del loro commercio": mercanti che operano su scala internazionale o a livello locale, e che trattano artisti noti o nuove proposte in relazione a vari generi o scuole. [123]

Allo stesso modo "gli acquirenti di opere d'arte possono essere distinti in due macrocategorie: chi acquista (. ) per il puro piacere (. ) e chi al contrario (. ) a mero scopo d'investimento. Queste due categorie hanno strategie di acquisto assolutamente opposte: nella prima prevalgono gli aspetti emozionali ed estetici mentre nella seconda prevalgono calcoli esclusivamente speculativi”. [124]

Parallelamente "le grandi case d'asta internazionali e nazionali hanno (. ) un'importanza cruciale nell'ambito del sistema dell'arte contemporanea, in quanto rappresentano (. ) le strutture finanziariamente e strategicamente più potenti e organizzate nell'ambito dell'attività del mercato secondario dei valori artistici affermati". [125]

Inoltre "le fiere dell'arte contemporanea rappresentano il trionfo esplicito della dimensione commerciale che si oppone, a livello di massima visibilità, alla dimensione culturale delle grandi manifestazioni espositive periodiche come la Biennale di Venezia o Documenta di Kassel e a quella dell'attività espositiva dei musei. La nascita delle fiere intorno al 1970 (. ) e il loro consistente sviluppo in molti paesi (. ) ha determinato una novità significativa rispetto al passato, non solo perché sono un segno della grossa crescita delle strutture di mercato, ma anche e soprattutto perché hanno definitivamente spazzato via ogni residua forma di occultamento dell'immagine dell'arte come merce. Sono esposizioni che coinvolgono un grande pubblico, oltre agli addetti ai lavori, ma che mortificano ogni possibilità di seria fruizione estetica". [126] "L'invenzione della fiera d'arte", come Art Basel, "risponde perfettamente" all'esigenza "sempre più accentuata del pubblico a voler vedere, recepire, conoscere e valutare l'arte contemporanea il più rapidamente possibile, con una sorta di programmata full immersion che consenta in due o tre giorni di respirare l'atmosfera di novità che la galleria è in grado di restituirgli". [127] D'altro canto "la fiera è una manifestazione (. ) in cui la ressa e il sovraffollamento di opere negli stand impediscono di apprezzare a fondo i lavori esposti". [128]

Per contro la "funzione del pubblico (. ) ha un grande peso per quello che riguarda il consolidamento e allargamento del successo di artisti e opere, ma non incide per nulla nella prima fase di selezione e affermazione dei nuovi artisti e delle nuove tendenze, dove contano solo gli addetti ai lavori e il pubblico ristretto del microambiente artistico". [91] "La preponderanza assoluta data al fattore economico esalta la funzione egemonica di quelle componenti che vi hanno a che fare direttamente - gallerie e collezionisti - ma al contempo stabilisce fortissime gerarchie all'interno di queste: solo le gallerie economicamente forti, come i collezionisti dotati di mezzi ingenti, possono determinare il gusto del mercato, mentre (. ) sono le altre componenti del mondo dell'arte a subire le ripercussioni maggiori: la figura del critico si trasforma in quella del curatore, abdicando parzialmente ai criteri di scelta in favore di quelli dell'informazione e della presentazione dell'esistente lo stesso avviene per il museo, destinato principalmente alla consacrazione e non più alla riflessione storico-critica, mentre anche il pubblico esce abbagliato da proposte sostenute da abili strategie di marketing, a loro volta legate al maggiore o minore impegno di capitali. Infine, l'artista (. ) subisce i contraccolpi di questi mutamenti (. ), che vanno dal rispetto di regole non scritte per la conquista della scena, alla competizione esasperata dalla globalizzazione del mercato, alla necessità di un cambiamento linguistico talvolta radicale (. ) alla spettacolarizzazione e alla monumentalizzazione mediatica dell'opera d'arte" in cui "il rinnovamento del linguaggio" viene posto "in posizione decisamente subalterna rispetto al soddisfacimento del trend corrente". [129] "Nel sistema (. ) globalizzato (. ) l'artista si misura immediatamente con il resto del mondo". [130]

In sintesi, "si può considerare il sistema dell'arte come un sistema economico che ruota attorno a un prodotto - l'opera d'arte -, la cui peculiarità sta nell'imporre a ogni costo un certo crisma di qualità, molto più impalpabile e difficile da quantificare rispetto ad altri prodotti e più in competizione all'interno della medesima categoria commerciale, dove però la caratteristica della novità costituisce gran parte dei requisiti per il successo. Il sistema dell'arte, al cui interno operano artisti, critici, galleristi, istituzioni museali, collezionisti (figure che possono sovrapporsi e confondersi), comprende la produzione, la diffusione e il collocamento di un prodotto assolutamente superfluo, appartenente ai cosiddetti beni di lusso, ma al contempo assolutamente necessario, perché riconosciuto universalmente come espressione più alta di ogni cultura. La capacità di proporre, forse anche di imporre, un modello artistico rispetto a un altro diventa dunque un elemento strategico per tutto ciò che comporta interpretazione del mondo, aspettative, stile di vita dei gruppi sociali che vi si avvicinano. In questo senso se ne può dedurre anche una valenza politica non indifferente". [131]


Salvatore Provino

Nato a Bagheria (Palermo) il 4 giugno 1943, giovanissimo si trasferisce a Roma dove frequenta lo studio del suo concittadino Renato Guttuso. Nel 1964, a soli 21 anni, la Galleria Consorti di Roma gli organizza la sua prima mostra personale che rievoca i luoghi della sua infanzia.

I luoghi natali, i volti dei contadini scavati dalle rughe del tempo e dal duro lavoro, la campagna con i colori del dramma e della tragedia che rimanda alla cultura greca antica, influenzano profondamente la sua formazione artistica.

Alla fine degli anni ‘60 la sua pittura si avvicina alla sensibilità di quella inglese e in particolare di Francis Bacon. Si tratta del periodo figurativo in cui l'artista risente anche di influenze Sironiane e predilige soggetti che affrontano attraverso la drammaticità della figura umana le difficili condizioni esistenziali di un'intera classe sociale alle prese con gli effetti del processo di industrializzazione e di sfruttamento dell'uomo.

Nel 1974 l'artista, a seguito di ripetuti incontri con il matematico-filosofo Lucio Lombardo Radice, attinge alla teoria di Lobacevskij circa la sfericità del corpo e la geometria intesa come struttura dello spazio fisico. La geometria diviene sferica, le strutture sembrano levitare, le forme dinamiche, in una ricerca concettuale dove la matematica assomiglia sempre di più all'arte per l'essenza intuitiva e creativa come origine di ogni percorso teorico ed empirico.

Nel 1979 un viaggio in Perù porta Provino a vivere nella sua pittura una straordinaria dialettica tra le geometrie e la filosofia, tra il visibile e l'invisibile. Si inaugura dunque quello che può essere considerato a tutti gli effetti il periodo della piena maturità dove la pittura fatta di materia e colore diviene lo strumento principe per sviscerare quella ricerca espressiva di un mondo dinamico e infinito, attraverso la maniacalità dell'esecuzione pittorica e la gestualità del segno trova la strada per interpretare quello che lo spazio fisico della tela non consentirebbe.

Nel 1986 è chiamato per “chiara fama” alla cattedra di pittura dell'Accademia di Belle Arti di Palermo, per poi passare all'Università di Napoli.

A partire dagli anni ‘90 si succedono mostre personali in importanti spazi pubblici nazionali alternate da prestigiose esposizioni di caratura internazionale: tanto per citarne alcune Il Palazzo dei Diamanti di Ferrara, il Palazzo delle Esposizioni di Roma, Castel dell’Ovo a Napoli, Cervia ai Magazzini del Sale.

Nel 2002 espone come primo artista occidentale nel Museo Nazionale di Storia Cinese a Pechino e successivamente nei musei più importanti delle città di Shenzhen, Shenyang, Canton, Shanghai, Hong Kong e Changshu. Inizia così una decade di mostre internazionali che lo porteranno dalla Grecia agli Stati Uniti e dalla Bulgaria all'Argentina tornando periodicamente ad esporre nella sua Sicilia.

  • Roma. Galleria Consorti.

  • Roma. Galleria Il Girasole.

  • Roma. Galleria Il Vertice.
  • Palermo. Galleria L'Incontro.
  • Ragusa. Galleria Sud-Sudest.

  • Tripoli (Libia). Galleria Leyla Tohdemir Khalil.

  • Roma. San Lorenzo.
  • Bari. Galleria La Bussola.

  • Milano. Galleria Ciovasso.
  • Bagheria (Pa). Galleria il Nibbio.

  • Roma. Galleria Molino.
  • Reggio Calabria. Galleria La Vernice.
  • Bagheria (Pa). Galleria Valguarnera”.

  • Milano. Galleria Ciovasso.
  • Bagheria (Pa). Galleria Il Nibbio.
  • Roma. Galleria La Nuova Pesa.
  • Teramo. Galleria G4.

  • Napoli. Ritmo della città. Galleria Schettini.

  • Roma. Galleria Cà d'Oro.

  • Roma. Galleria Il Giornale di Roma.
  • Venezia. Galleria Numero di Fiamma Vigo.
  • Firenze. Galleria Giorgi.
  • Porto Potenza Picena (Mc). Galleria La Margherita.

  • Orvieto. Galleria Maitani.
  • Taranto. Galleria In Primo Piano.
  • Rieti. Galleria Numero Uno.
  • Palermo. Galleria La Robinia.

  • Cortona. Galleria Arcaini.
  • Roma. Galleria Nuovo Carpine.

  • Bagheria (Pa). Galleria Il Poliedro.
  • Arezzo. Galleria Comunale d'Arte Contemporanea Palazzo Guillichini.

  • Ferrara. Palazzo dei Diamanti.
  • Bologna. Galleria Quartirolo.
  • Orvieto. Palazzo dei Papi.

  • Roma. Galleria Cà d'Oro.
  • Roma. Galleria Carte Segrete.
  • Palermo. Galleria La Tavolozza.
  • Catania. Galleria Arte Club.
  • Spoleto (Pg). Galleria Internazionale Fontana Arte.

  • Reggio Calabria. Galleria Il Messaggero.
  • Porto Potenza Picena (Mc). Galleria La Margherita.

  • Latina. Galleria La Colomba.

  • Roma. Galleria La Gradiva.

  • Padova. Galleria La Chiocciola.
  • Stoccolma (Svezia). Galleria Art Atrium.

  • Boston (USA). Galleria Irmtraud Ann-Thiel.
  • Nizza (Francia). Art Jonction International.

  • Bagheria (Pa). Galleria Artecontemporanea.

  • Vercelli. Meeting Art.
  • Orvieto. Palazzo Netti.
  • Roma. Opere 1979-1989. Ministero dei beni culturali e ambientali, Complesso Monumentale San Michele a Ripa.

  • Los Angeles (USA). Galleria Ashkenazy Galleries.
  • Macerata. Pinacoteca e Musei Comunali.

  • Bagheria (Pa). Opere dal 1963-1991. Galleria Comunale d'Arte Moderna e Contemporanea.
  • Roma. Terra. Palazzo delle Esposizioni.
  • Palermo. Studio 71.

  • Vercelli. Meeting Art.
  • Cosenza. Galleria Marano.

  • Los Angeles (USA). Galleria Ashkenazy Galleries.

  • Cosenza. Galleria Merano.
  • Salerno. Galleria Grassi.

  • Morlupo (Roma). Galleria Comunale.
  • Roma. Anatomia sul corpo della pittura. Galleria Cà d'Oro.
  • Boston (USA). Galleria Irmtraud Ann-Thiel.

  • Bruxelles (Belgio). Centro culturale italiano.
  • Seul (Corea del Sud). Spazio Multimediale Rotunda.
  • Palermo. Superfici gassose. Galleria Studio 71.

  • Palermo. Fuochi ed altre folgori. Palazzo dei Normanni.
  • Salonicco (Grecia). Istituto Italiano di Cultura.

  • Cavaso del Tomba (Tv). Asalo Golf Club.
  • Portobuffolé (Tv). Casa di Gaia Da Camino.
  • Milano. Sussurri / Fragori. Palazzo del Senato, Archivio di Stato.
  • Shenyang (Cina). Palazzo dell'Università.
  • Pechino (Cina). Museo Nazionale della Storia Cinese (primo artista occidentale ad esporre in questo museo).
  • Catania. Opere 1978-2002. Castello Ursino.

  • Foggia. Museo Palazzetto dell'Arte.
  • Taormina (Me). Palazzo Duci di Santo Stefano.
  • Napoli. Sedimenti della materia. Castel dell'Ovo.
  • Sofia (Bulgaria). Galleria Sredets.

  • Monticello Conte Otto (Vi). Galleria Sante Moretto Arte Contemporanea.
  • Madrid. Galleria “Artemix”.
  • Cervia. Sedimenti della materia. Magazzini del sale.
  • Varna (Bulgaria). Galleria d'Arte Civica.
  • Plovdin (Bulgaria). Galleria d'Arte Civica.
  • Botevgrad (Bulgaria). Galleria d'Arte del Museo Storico.
  • Russe (Bulgaria). Galleria d'Arte Civica.
  • Chiustendil (Bulgaria). Galleria d'arte Vladimir Dimitrov.
  • Pleven (Bulgaria). Galleria d'arte Ilia Bescecov.
  • Sofia (Bulgaria). Galleria Sredets.

  • Guangzhou (Cina). Guandong Museum of modern Art.
  • Shenzhen (Cina). He Xiangning Art museum “Vestiges of space”.
  • Forlì. Fiera Contemporanea Collaterale.

  • Maribor (Slovenia). Galleria Dlum.
  • Changshu (Cina). Changshu Museum Arts.
  • Capua (Ce). Stratificazioni. Museo Campano.
  • Trabia (Pa). Sedimentazione – natura. Centro sociale Ex Case Sanfilippo.

  • Napoli. Fuga dallo sguardo. Castel dell'Ovo.
  • Buenos Aires (Argentina). Geometrias del alma. Centro Cultural Borges.
  • Roma. Fuga dallo sguardo. Galleria Michelangelo.

  • Civitavecchia. La fenice della pittura. Galleria Michelangelo.

  • Marino (Roma). Natura e materia. Museo civico “U. Mastroianni”.
  • Crotone. Pittoriche anatomie luce e spazio. Galleria d'arte contemporanea “Lucia Messina”.
  • Catania. Verticalità. Galleria Brucastudio.

  • Palermo. Terra crisalide, anni luce fa. Galleria Mercurio Arte.
  • Roma. Opera incisa, l'Evoluzione del segno. Stamperia del Tevere.
  • Arcevia (An). Attraversando la vita. AR(t)CEVIA International Art Festival 2011.

  • Palermo. Effetti Collaterali. Provincia Regionale di Palermo, Palazzo Sant'Elia.

  • Jakarta (Indonesia). Attraversando la natura. Museum Gedung Arsip Nasional

  • Roma. Galleria Il Girasole.

  • Roma. Rassegna di Arti Figurative di Roma e Lazio.
  • Mantova. Premio Revere.

  • Roma. Rassegne Prospettive Uno.

  • Bagheria (Pa). Rassegna di Arti Plastiche e Figurative.

  • Celano (Aq). III Biennale d'Arte.

  • Firenze. Rassegna Aspetti dell'Arte Contemporanea in Italia.
  • Chieti. Premio Vasto.

  • Rassegna Incontri Silani.

  • Roma. Galleria Alzaia.
  • Roma. Rassegna Via Condotti.

  • Bari. Expò 1ª Edizione.
  • Palermo. Rassegna Il Sacro nell'Arte. Palazzo Arcivescovile.

  • XX Biennale Premio Alatri. Palazzo Gentili.

  • Celano (Aq). II Triennale Europea.

  • Acireale (Ct). Rassegna di Pittura. Palazzo comunale.
  • San Gemini (Tr). Rassegna di Sculture Lignee.
  • Acireale (Ct). Rassegna Omaggio alla Sicilia.

  • Perugia. Mostra Nazionale di Pittura.

  • Bagheria, Catania, Gibellina. Rassegna Circumnavigazione Due. Galleria Ezio Pagano
  • Assisi. L'Isola e Il Segno.

  • Sulmona (Aq). XIII Rassegna Nazionale di Pittura.
  • Aquila. Triennale Europea di Arte Sacra. Castello Trecentesco.
  • Pescara. Biennale Nazionale di Arte Sacra.
  • Nizza (Francia). Rassegna Art Jonction International.

  • Campobello di Mazara (Tp). Premio Nazionale di Arte Contemporanea.
  • Varna (Bulgaria). IV Biennale Internazionale di Varna.
  • Stoccolma (Svezia). Arte Fiera Konstmassan.
  • Bagheria (Pa). Rassegna Circumnavigazione Galleria Ezio Pagano.
  • Sibari (Cs). I Premio Le Città della Magna Grecia.

  • Palermo. Rassegna Nazionale di Arte Contemporanea Tota Pulchra.
  • Modica. (Rg). Rassegna Ibla Mediterranea.
  • Catania. Rassegna di Scultura e Pittura nell'Area Mediterranea.
  • Premio Fimis ‘88.
  • Roma. Arte contro L'AIDS.

  • Roma. Rassegna Presenze Siciliane. Complesso Monumentale San Michele A Ripa.
  • Milano. Biennale di Milano.
  • Sulmona (Aq). XVII Premio Sulmona.
  • S. Flavia (Pa). I Rassegna d'Arte.

  • Roma. Art Solidarity.
  • Celano. Celano Oggi Memoria d'Arte.

  • Trapani. Sicilia Mito e Realtà. Museo Pepoli.
  • Roma. Rassegna Arte Roma ‘91. Palazzo dei Congressi.
  • Termoli (Cb). Esaedro. Galleria Civica Arte Contemporanea.
  • Roma. Rassegna Art Solidarity.
  • Palermo. Rassegna Lux Mundi. Albergo delle Povere.
  • Siracusa. Rassegna di Arte Sacra.
  • Termoli. XXXVI Rassegna. Galleria Civica.

  • Vercelli. Meeting Art.
  • Roma. Arteroma.

  • Roma. Arteroma.
  • Erice (Tp). Circuiti d'Acqua. Palazzo dei Militari.

  • Civitella Roveto (Aq). Versanti dell'Arte Italiana II Novecento.

  • Catania. La Questione Siciliana.
  • Modica (Rg). Ibla Mediterranea.
  • Seravezza (Lu). Il Girasole Trent'anni dopo.

  • Roma, Mostra. L'Isola Dipinta. Palazzo Vittoriano.
  • Morlupo (Rm). Palazzo comunale.

  • Tindari (Me). Ave Crux. Rassegna Nazionale di Arte Contemporanea.

  • Coutances (Francia). Sicilie ile de beautè.

  • Teramo. 100 Artisti rispondono al PAPA. Museo Stauròs.
  • Canton (Cina). Guangdong Museum of Art.
  • Dalian. Settant'anni di carte italiane. Palazzo Belle Arti.
  • Pechino. Istituto Italiano di Cultura .
  • Buenos Aires. Trazos para una memoria. Incontro della pittura italiana contemporanea.

  • Mosca. Generazioni. Galleria Beleyevo.
  • Premio Bargellini.
  • Roma. Galleria Michelangelo.
  • Buenos Aires. Diez Años de Gráfica Italiana.

  • Krakowia (Polonia). 70 anni di carte italiane. Galleria Wloskiego, Galleria Krzystofory.
  • Orvieto. La galleria Maitani 1967-1989. Galleria Zerotre.
  • Roma. Le ombre dei Maestri. Metropolitana di Roma.

  • Catania. Percorsi etici. Galleria d'arte moderna e centro culturale “Le Ciminiere”.
  • Varna, Russe, Plovdiv (Bulgaria). Da Balla a Scialoja. Mostra itinerante nelle Gallerie Civiche.
  • Pleven (Bulgaria). Galleria Civica “Ilia Beshkov“.
  • Lovech (Bulgaria). Sala espositiva “Varosha“.
  • Sofia (Bulgaria). Unione dei pittori bulgari.
  • Albissola Marina (Sv). Arte senza confini. Museo civico d'arte contemporanea.
  • Roma. La notte bianca –Imago verba-Visioni e poetiche contemporanee. Galleria Tartaglia arte.
  • Palermo. Di sguardi, luoghi. Di ombre. Galleria Ellediarte.
  • Forlì. Fiera “Contemporanea“.
  • Roma. Matrice primaria. Galleria Michelangelo.
  • Loretto (Pennsylvania). Jacob's ladder southern alleghenies museum. VI international biennal regional artists sacred art.
  • Ortigia (Sr). Grandi meditazioni per un piccolo formato. Galleria Roma.

  • Roma. Rassegna d'arte contemporanea “L'arte di amare l'arte“. Galleria Orsini

  • Roma. Primaverile A.R.G.A.M. Museo Venanzio Crocetti.

  • Rapallo (Ge). Centro d'Arte Mercurio.

  • Agrigento. V edizione ARTE.

  • Roma. I Triennale dell'astrattismo e del surreale .
  • Formello (Rm). Quattro rotte d'autore. Palazzo Chigi.
  • Arcevia. III edizione ArtCevia – International Art Festival.
  • Vibo Valentia. Premio internazionale “Limen –Art “.
  • Palermo. Novecento sacro in Sicilia.

  • Catania. Made in Sicily. Museo Le Ciminiere.
  • Catania . “Il Bosco d'Amore” omaggio a Renato Guttuso. Palazzo Valle, Fondazione Puglisi Cosentino.


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Con Risposta a interpello n 303 del 2 settembre 2020 le Entrate forniscono chiarimenti in merito all’applicabilità dell’IVA al 10% nella cessione di opere d’arte e in particolare si chiarisce che è possibile nel caso di specie solo per quelle per le quali ricorrano i requisiti della tiratura limitata e della totale realizzazione manuale da parte dell’artista (così come previsto dalla Tabella, allegata al DL n 41/1995 convertito con modificazioni dalla Legge 85/95).

Ma vediamo il caso oggetto dell'interpello.

  • con codice Ateco 90.03.09-altre creazioni artistiche e letterarie
  • codice 47.78.31-attività prevalente “commercio al dettaglio di oggetti d’arte”
  • e attività secondaria realizzazione, esposizione e vendita di opere grafiche

Egli progetta con pc e mediante software sculture figurative originali che poi stampa con stampanti proprie o di società di stampa 3D.

Con la stampa 3D ottiene sculture grezze che egli stesso poi stucca, liscia e vernicia. Tali sculture sono vendute come pezzi unici o in serie limitata di 50 o 200 pezzi direttamente a privati, tramite vendita on line.

Egli vorrebbe sapere se possa applicare a tali cessioni l’aliquota al 10% di cui al n 127-septiesdecis della Tabella A Parte III allegata al DPR 633/72

L’agenzia esprime parere contrario alla applicabilità dell’IVA 10% nel caso di specie per i seguenti motivi:

il numero 127-septiesdecies) della Tabella A, Parte III, allegata al DPR 633/72 prevede l'applicazione dell'aliquota IVA ridotta alle cessioni, da parte degli autori e dei loro eredi o legatari, degli oggetti d'arte individuati dalla Tabella, allegata al DL n 41/1995 (convertito con modificazioni dalla Legge 85/95).

Per quanto concerne le sculture, come è nel caso di specie, la stessa Tabella considera “Oggetti d'arte, le opere originali dell'arte statuaria o dell'arte scultoria, di qualsiasi materia, purché siano eseguite interamente dall'artista fusioni di sculture a tiratura limitata ad otto esemplari, controllata dall'artista o dagli aventi diritto a titolo eccezionale in casi determinati dagli Stati membri, per fusioni di sculture antecedenti il 1° gennaio 1989, è possibile superare il limite degli otto esemplari”.

In base a tale disposizione, dunque, sono oggetti d'arte quelli per i quali ricorrono determinate condizioni, tra le quali che gli stessi siano eseguiti interamente dall'artista.

Nella fattispecie in esame, non sembrano ricorrere le condizioni richieste per l'applicazione dell'aliquota IVA agevolata in quanto l’istante riferisce di avvalersi di software e stampa 3D anche esterna da cui nascono le sue sculture. Egli riferisce inoltre di venderle in numero di esemplari superiore a quello richiesto dalla norma per l’IVA agevolata.

L’agenzia rileva che l'intervento manuale del contribuente risulti residuale.

Pertanto le cessioni degli oggetti prodotti dovranno essere, secondo l’agenzia, soggette all'aliquota IVA ordinaria e non a quella del 10% in quanto non riconducibili a nessuno dei manufatti definiti "Oggetti d'arte" dalla Tabella, allegata al DL n.41 del 1995.


AWAKENING , 2019

At present, Mira Longfield creates series of MANDALAS which she produces by multiplication of forms from her series of paintings THE UNIVERSE OF SOUL. In this process, paintings become the starting point and resource for the formation of a new visual form that brings new surprising qualities and possibilities. MANDALAS are created authentically without using any computer transformation (filters, artificial effects). Mandala could be applied as a tool

… Learn more + for relaxation and self-consciousness. Mandala does not belong to any culture or religion. It is overtime symbol of oneness and balance, and a symbol of the UNIVERSE.

Digital art on hand-stretched cotton canvas stretched on a 3D wooden frame.
The artwork is ready to hang. Artwork could be framed in a black, silver, or white floating frame.

It is also possible to choose a different format for printing.

The artwork is signed on the back and accompanied by a certificate of authenticity. Less

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